Home \ kunst
 

styre en selvskrevet film.

 

Har du lyst til å lage din egen film? Å skrive, styre og redigere din egen film er en skremmende oppgave. Det gir deg den ultimate kreative kontrollen over arbeidet ditt. Du bør være villig til å legge mye arbeid for å få filmen gjort. Men du bør også være forberedt på å ha mye moro. Så ta noen venner, ta et kamera på og gjør deg klar til å skyte - Hollywood ringer.

              

Fremgangsmåte .

    

    1      Skriv din film  ,

    
     
  1.   1      La oss komme med en ide. Hvis du ikke har en fantasi på størrelse med Oseania, er det den vanskeligste delen. Men for å komme opp med en ide for filmen trenger du ikke å være en intens showdown med Muse of the Arts. Prøv å finne en god setning som den du leser i en filmbeskrivelse for å lage film rundt deg. Hva er konflikten, tegnene eller historien som "du" vil fortelle? Tenk på noen ting i planleggingen:  
       
    • Mindre er bedre - Hvis du filmer dette selv, må hver ekstra karakter, plassering og spesiell effekt en dag bli finansiert og fiddled med.
    •  
    • Hvilken sjanger du målretter mot? Komedie? Science fiction? Drama? Hvis du kjenner din sjanger, kan du begynne å tenke på handlinger og tegn som passer.
    •  
    • Hva er filmkombinasjoner du ikke har sett ennå? Selv om det virker dumt, er nesten alle filmer og TV-programmer blandede former fra andre filmer, TV-programmer og sjangere. For eksempel er "Twilight" en vampyr- og romansk roman. Har du sett en god vestlig komedie? Hva med en pothead science fiction? Hvordan kan du forene interessene dine på uventede måter?
    •  
    • Hvor har du erfaring? Kan du kommentere hverdagen til en kontorist på en original måte? Vet du mer om slice golf enn noen andre? Kan en eller annen måte gjøre en film ut av disse opplevelsene?  
    •  
    • For inspirasjon, se på "Peildrähte" for dine favorittfilmer. Dette er en setningsoppsummering av filmer som brukes til å selge skriptet til filmprodusenter. Du kan søke etter tusenvis av dem online.
    •  
           
  2.  
  3.   2      Finn dine tegn. Tegn holder historier. Nesten alle filmer er resultatet av et tegn som ønsker noe, men kan ikke få det. Filmen viser deretter tegnets problemer og bekymringer når han prøver å oppfylle sine ønsker (å få jenta, redde verden, gå ut av college, etc.). Publikum identifiserer med tegnet, ikke med filmen, så du må sørge for at du har godt utformede tegn før du starter. Gode ​​tegn:  
       
    •   Er runde. Dette betyr at de har mange fasetter og ikke bare en "dårlig mann" eller en "sterk heltinne". Runde figurer har sterke "og" svakheter som gjør at publikum kan identifisere seg med dem.
    •  
    •   Har lyst og frykt. Selv om det bare er en av dem, vil en god karakter ha noe, men kan ikke. Hans evne eller manglende evne til å overvinne sin frykt (å være fattig, å være alene, av romvesener, edderkopper, etc.) driver sin konflikt.
    •  
    •   samarbeide. En god karakter blir ikke pisket fordi skriptet krever at han skal gå et sted. Et godt tegn gjør beslutninger som driver historien. Noen ganger er det bare en beslutning som driver alt annet (Llewellyn, "No Country for Old Men"). Noen ganger er det også en rekke gode / dårlige beslutninger i hver scene ("American Hustle").  
    •  
           
  4.  
  5.   3      Skisser hovedbildene i filmen. Noen mennesker liker å komme opp med tegn og en forutsetning og deretter begynne å skrive. Imidlertid gjenkjenner alle manusforfattere verdien av fempunkts-plottet, hvor fem viktige stigende øyeblikk utgjør filmen. Nesten hver eneste film som ble laget følger denne generelle strukturen, fra "Jurassic Park" til "Just Friends" til "Jupiter Ascending". Det betyr ikke at skriptet ditt må følge dette mønsteret, men galskapen har metode. Det er fem hovedmomenter i hver film som passer perfekt sammen, og du trenger en god grunn til å avvike fra dette systemet hvis du vil være "original":
       
    •   Bygg: Hvem er dine tegn, hvor bor de og hva vil de ha? Det er de første ti prosent eller mindre av filmen din.
    •  
    •   Planen Endre / Mulighet / Konflikt: Noe skjer som gjør konflikten i bevegelse - Erin Brockovich får jobb, skolen i "Superbad" kaster en fest, Neo introduserer "Matrix" osv. Det er omtrent det 1/3 merket av manuset ditt.
    •  
    •   Poeng uten retur: Opptil dette punktet jobber tegnene hardt for å gjøre målene deres til virkelighet. Men på halvtime av filmen skjer noe som gjør det umulig å reversere. En Bond-skurk angrep igjen, "Gladiatoren" kommer til Roma, "Thelma og Louise" stjeler sin første virksomhet, etc.
    •  
    •   Det store tilbakeslaget: Innsatsene har steget siden det ikke var tilbake. For tegnene og publikum ser det ut til å være noe håp. Her, jenta og gutten delte i hver kjærlighetskomedi som noen gang ble gjort. Her er Ron Burgundy sparket i "Anchorman" og John McClane er slått blodig i "The Hard". Det skjer ved 75 prosent markeringen i historien din.
    •  
    •   The Highlight: Tegnene gjør en endelig radikal innsats for å nå sine mål, som kulminerer i deres største utfordring. Dette er løpets øyeblikk gjennom flyplassen, de siste hullene i "Caddyshack" eller showdownen mellom helt og skurk. Når det er løst, vil de siste 10 prosent av skriptet ende opp igjen og vise effektene av klimaks.  
    •  
           
  6.  
  7.   4      Skriv ditt skript. Hvis du selv produserer filmen, kan du bruke noen av de skriveformatene du vil ha. Imidlertid vil scriptwriting programvare som Celtx, Writer Duets og Final Draft, sammen med scrub authoring verktøy, hjelpe deg med å oppnå formatering av studio-kvalitet. Disse autoformate-programmene er en fin måte å kjenne lengden på filmen på. Et sideformatert skript svarer omtrent til ett minutt av skjermtiden.  
       
    • Ta noen notater om ting som situasjon, natur og skuespillere, men fokuser hovedsakelig på dialog. Du tar de andre avgjørelsene senere, hvis du har kameraer, skuespillere og steder.
    •  
    • Vær forberedt på nye versjoner. Det er nesten umulig å få alle dine øyeblikk - tegn, handlinger, emner, gags, etc. - riktig første gang. Gå tilbake til manuskriptet når du er ferdig og les den objektivt. Ville du se på denne filmen?
    •  
           
  8.  
  9.   5      Gjør en lesning for å forbedre skrivingen din. Lesing av utdrag er viktig for å raffinere et godt skript og forberede seg på skytingen. Finn et par venner eller skuespillere, og gi hver en skript to til tre dager i forveien. Deretter inviterer dem til deg og gjør en prøvekjøring av hele filmen. La dem snakke rollene mens du eller noen andre forteller handlingene. Ta notater på noen tekst som høres unaturlig eller vanskelig, utilstrekkelig scener, og hvor lang tid det tok å lese skriptet.
       
    • Spør skuespillerne / vennene hva de trodde. Hvor var de forvirret, hva likte de? Spør dem om de følte at deres karakter var godt gjennomtenkt og konsistent.
    •  
    • Prøv ikke å spille en rolle og bare hør. Hører du hvordan filmen din blir levende? Høres han slik du håpet? Du bør høre disse øyeblikkene nå, ikke når kameraene kjører.  
    •  
                     
  10.  
             

    2      Forbered produksjonen  ,

    
     
  1.   1      Lag en liste over alt utstyr og utstyrsbehov. Å lage en film krever mye utstyr, inkludert kameraer, mikrofoner og lys. Ta en rask oversikt over hvilket utstyr du har og se etter måter å tømme hullene på:  
       
    •   Kameraer: Selvfølgelig kan du aldri skyte en film uten kamera. For de fleste filmer trenger du minst to kameraer, helst tre. Ikke desto mindre har moderne kameraforbedringer gjort det mulig å skyte en film på en iPhone 6, slik at du ikke trenger å kaste ut flere penger. Det viktigste for en profesjonell film er å ha kameraer som film i samme formelle (1080i, for eksempel). Ellers endres bildekvaliteten nesten umerkelig med hvert kutt.
    •  
    •   Mikrofoner: Tilbring pengene dine på lydutstyr når du har lite penger: publikum har blitt vist å gjenkjenne dårlig lyd i stedet for dårlig bilde. Mens du kan bruke de innebygde kameramikrofonene, kan Tascam eller Shotgun Micro, hvis det er nødvendig, alltid være en verdig investering.  
    •  
    •   Belysning: Hvis du kan få et flott 3- til 5-delers belysningssett, bruk det. Disse lysene har en rekke funksjoner og innstillinger som bidrar til å belyse enhver tenkelig situasjon. Imidlertid har fem til ti billige klippelys og skjøteledninger allerede tapt mye indiefilm. Alt du trenger er lamper og forskjellige pærer (wolfram, frostet, LED, etc.) for å tilpasse scenen din.  
    •  
    •   Uunnværlig tilbehør: Avhengig av filmen, kan det hende du trenger minnekort, en lagringsharddisk, stativ, lysreflektorer, skjøteledninger, svart tape (for å dekke eller stikke kabler) og datamaskinvideoredigeringsprogramvare.  
    •  
           
  2.  
  3.   2      Lag en tidsplan for hver scene. Schedules ser litt ut som tøffe tegneserier - du tegner det generelle opptaket og legger til den dialogen som må snakkes under den. Du kan enkelt laste ned maler online og fylle dem ut før et opptak. Tidsplaner er som sjekklister når du slår. De hjelper deg med å ta opp hvert skudd du trenger, så du merker ikke plutselig noe som mangler når du redigerer.
       
    • Alle rammene du tegner, blir din rekordliste - en detaljert bok fylt med hver kameravinkel du må fange for å fortelle historien din. Kopier og lim det inn i en mappe for senere referanse når timeplanen er klar.
    •  
    • Ta notater om kutt og overganger og signifikante lydeffekter. Disse tegningene trenger ikke å være kunstverk. Du må fortelle historien om filmen din.  
    •  
    • Det kan hende kjedelig, men det sparer tid på settet, som raskt blir dyrt.
    •  
           
  4.  
  5.   3      Søk etter sett og steder. Det er mange tankeskoler om valg av sett, og ingen av dem er gale. Du kan bygge dine sett for den ultimate kreative kontrollen, men det tar tid og penger. Du kan også ta opp i hjem og steder som er lett tilgjengelige, for eksempel i en venns hus eller hage. Alternativt kan du leie rom eller få rettighetene til film i en skole, hotell eller park. Uansett hva du gjør, må du sørge for at settet passer inn i filmen din og lar deg og mannskapet tilbringe natten uforstyrret i flere timer.     
  6.  
  7.   4      Bruk planleggings- og utstyrslisten til å budsjettere. Dette kan være øyeblikket som alle filmskapere hater mest. Men du trenger en realistisk ide om prisen på filmen din før du kan starte opptaket. For eksempel vil du ikke avslutte halvparten av opptaket og finne ut at du ikke lenger har råd til å leie en bil for klimaksiden i klimaksen. Hold budsjettet enkelt og realistisk. Trenger du virkelig ti prop pistoler, eller kommer du ut med to? Kan du eliminere en scene med 100 statister og bare ta ti? Du må beregne penger for:  
       
    • Utstyr som du ikke eier for øyeblikket.
    •  
    • Props, kostymer og filming steder (for eksempel en ballsal eller restaurant til leie).
    •  
    • Personalkostnader og skuespilleravgift. Det er mulig å få ansatte og skuespillere gratis. Men det skjer sjelden at folk kommer til å hjelpe mer enn en dag eller to uten betaling.
    •  
    • Kostnader for mat og transport for deg, mannskapet og skuespillerne.
    •  
    • Du bør vite at for et "profesjonelt" opptak med betalt personale og betalte skuespillere, bør du anslå et minimum på $ 4.500 per dag.
    •  
           
  8.  
  9.   5      Leieaktører og besetningsmedlemmer. Du har dine tegn, timeplan og utstyr du trenger - nå trenger du noen som bruker alt. Hvordan kastes skuespiller er en personlig beslutning - du kan holde auditions med craiglist eller avisannonser, delta på teatre i ditt område eller involvere vennene dine. Besetningsmedlemmer har en rekke elementer å fylle:  
       
    •   Kinofotograf: Utvilsomt den viktigste jobben, han er ansvarlig for kameraer og belysning. Når du instruerer skuespillerne og har det siste ordet i opptaket, håndterer han de tekniske aspektene av filmen. Du trenger noen som vet om linser, kameraer og belysning, selv om det bare er en venn som er interessert i fotografering. Det er veldig, veldig vanskelig å samtidig opplyse en scene, plassere kameraer, se på skuespillere og sette landskapet. Så få noen til å lette deg av byrden og la deg styre.
    •  
    •   Assisterende direktør: Starter opptakene, sørger for at listen er dekket, skyter små scener hvis regissøren er opptatt. Kan også hjelpe med budsjettet.
    •  
    •   Kamera- og mikrofonoperatører: Forklar seg, men er avgjørende. Du kan ikke lage en film uten henne.
    •  
    •   Makeup Artist: Mens noen kan gjøre det, er hans hovedoppgave kontinuitet. Så lenge filmene dine ikke kaster bort mye tid, må ansikter og kostymer av skuespillerne i hver scene se på samme. Ellers vil publikum legge merke til endringene. Hver dag tar bilder av kostymer, sminke og scener for å sikre at de ser like ut.
    •  
    •   Lydingeniør: Lytter til hele lyden som den er innspilt, slik at den stemmer. Han plasserer også mikrofonene for å registrere dialogene etter at belysningen er plassert.
    •  
    •   Produsent: Kontroller filmplasseringen på forhånd, og sørg for at godkjenninger og kontrakter er skrevet og signert.
    •  
    •   Produksjonsassistent: Alltid nyttig, disse menneskene gjør hva som må gjøres - lag mat og kaffe, slett minnekort og til og med hold kamera når det trengs. Du kan aldri ha nok mannskap.
    •  
           
  10.  
  11.   6      Sign kontrakter. Det spiller ingen rolle hvem du jobber med eller hva slags prosjekt det er - inngå kontrakt. Dette vil beskytte deg i tilfelle ulykker, forplikte folk lovlig til å samarbeide til ferdigstillelse av filmen din, og vil legge inn klager hvis filmen er avbrutt. Du kan søke på nettet for "Skuespillerfilmkontrakt", "Produsentkontrakt", etc., og skreddersy det til dine behov enkelt og fritt. Så ikke hopp over dette trinnet.
       
    • Paradoksalt sett er kontrakter en fin måte å opprettholde vennskap på. I stedet for å argumentere om noe senere, kan du bare ty til det du allerede har skrevet.
    •  
    • Pass på at du har en forholdsregel, spesielt for skuespillere som forplikter dem til å fullføre filmen så snart de begynner å ta opptak.
    •  
           
  12.  
  13.   7      Sett opp timeplanen din. Realistisk, på en god dag får du bare fem til ti sider av skriptet ditt. Med mindre du bare har noen få personer i skriptet ditt og bare ett eller to steder. Jo mer tid du bruker spinner, desto bedre, men jo mer tid du bruker spinner, jo mer penger bruker du. Hvordan du balanserer dette, avhenger av noen få faktorer:  
       
    • Hvilke scener finner sted på samme sted? Kan du skyte dem samme dag, selv om de ikke er kronologiske?
    •  
    • Hvilke scener har massive opptakslister? Å gjøre disse første kan sørge for at du får de "store" scenene slik du vil.
    •  
    • Kan du gjøre uten opptak hvis du går tom for tid / penger? Sett dette til slutt.
    •  
    • Denne tidsplanen kan og sannsynligvis være flytende. Men jo mer du kan holde fast ved det, desto bedre.
    •  
           
  14.  
             

    3      Lag filmen din  ,

    
     
  1.   1      Forbered alt på forhånd. Du bør være den første på settet hver eneste dag og den siste til å forlate. Å lage en film er ikke lett, og du må anta at alt som kan gå galt, vil gå galt. Skuespillere blir syk, været går ikke med, og det er hundrevis av små beslutninger (lys, skuespillernes oppsett, kostymer) som må treffes hver time. Den eneste måten å få et vellykket skudd på er å gjøre så mye arbeid som mulig før du selv starter.  
       
    • Ta en titt på dagens rekord. Hva må du gjøre og hva kan du utelate hvis tiden går ut?
    •  
    • Repetisjon med skuespillerne. Pass på at de kjenner teksten og vet hvordan du vil spille den.
    •  
    • Ta belysning og kameraavgjørelser med kameramannen.  
    •  
           
  2.  
  3.   2      La alle vite hva som forventes i begynnelsen av opptaket. Gi detaljer til noen direkte og på en enkel måte. Dette er spesielt viktig for lavprisfilmer, siden du vanligvis får noe å handle og jobbe gratis. Informer spillerne og stabene dine om å registrere dagen og hvor takknemlig du er til dem for deres støtte.  
       
    • Gi timeplanen på forhånd til alle, slik at alle er forberedt.
    •  
    • Informer besetningen om eventuelle spesielle effekter eller stemninger du vil ha, og hvordan de kan bidra til å lage dem.
    •  
    • Ta din pickup prosedyre slik at alle vet deres rolle.
    •  
           
  4.  
  5.   3      Still inn scenelåsen. Barrieren er i markører hvor skuespillerne er og hvor de går. Dette er det første trinnet i noen skudd og det viktigste - alle lys, kameraer og lyd kan ikke plasseres før den er ferdig. Hvis scenen er godt repetert, bør det være enkelt. Hvis ikke, må du bruke litt tid på å sette skuespillerne på de riktige stedene.  
       
    • Hold dette så enkelt som mulig - kjører i rette linjer, enkle skikkelser og avganger, og for det meste stille stillinger. Det er ikke et spill, og kameraene tar bare en liten brøkdel av hele scenen. La kameraet gjøre bevegelsen når det er mulig, ikke skuespillerne.  
    •  
    • Tape kan sitte fast på gulvet for å vise skuespillerne hvor de står på slutten av hvert skudd.
    •  
    • Du kan ofte planlegge med lagmedlemmer eller en detaljert rekordliste for å spare tid. Hvis du allerede har skrevet ned baren, vil inntaket bli mye mer produktivt.
    •  
           
  6.  
  7.   4      Sett opp kameraene dine. Det finnes et uendelig antall måter å plassere, flytte og bruke kameraene på. Derfor er en liste over innspillinger, som egentlig er en liste over dine forhåndsinnstilte kameraposisjoner, viktig for å spare tid og penger. I dagens interesse er de tre viktige kameravinklene i en dialogscene:  
       
    •   Produksjonsskudd, eller Master: Produksjonsopptak inneholder hele plott av scenen - snakkesettene, settet og bevegelsene. Dette er lange, brede bilder som du kan bruke til å gjøre hele scenen hvis noe går galt, siden de fanger alt.
    •  
    •   To-skudd (to kameraer): Et kamera over hver skuespiller som peker mot den andre skuespilleren. Så du kan se på hver karakter som han snakker.
    •  
    • Prøv å skissere det slik at du har to tegn på bildet samtidig, når du filmer tre eller flere skuespillere - så alt du trenger er et kamera for å fange dialog.
    •  
    • Ta et kritisk blikk på noen av dine favorittfilmer. For eksempel, hvordan ville en film fange en middagsdato mellom to personer? Du vil legge merke til disse tre kameravinklene (en av dem pluss bordet, en av gutten, en av jenta) oftere enn noe annet sett.
    •  
           
  8.  
  9.   5      Sett opp din belysning. Husk, det er alltid bedre å ha mer lys enn mindre. Det er enkelt å lage et bilde mørkere i etterproduksjonen, men veldig vanskelig å gjøre det lysere uten å ofre bildekvaliteten. Når det er mulig, bruk naturlig lys til din fordel, og fremfor alt, hold det enkelt. Målet ditt er en fin gradvis belysning av belysning - dype, mørke skygger og svært få store lyse flekker.  
       
    • Still kameraet ditt i svart og hvitt for å se bare lysstyrken på bildet. Hvis det fortsatt er et interessant skudd i svart og hvitt, ser det ut til å være utrolig farget.
    •  
    • Den ene og en halv time rundt soloppgang og solnedgang betraktes som den beste tiden å svinge i naturlig lys. Lyset er mykt og jevnt, og du kan til og med bruke denne tiden til å belyse "natt" skudd, som blir mørkere senere i etterproduksjonen.  
    •  
    • Bruk "Practicals" eller lamper i scenen. Har du problemer med å få belysningen riktig? Sett en lampe i beholderen eller slå på takbelysningen.  
    •  
           
  10.  
  11.   6      Du bør vite hvordan du starter opptaket. Teknikker for å starte en film varierer fra ett sett til et annet, men de bør ikke variere fra ett skudd til et annet. Å ha en rutine før du begynner å filme sikrer at alle alltid er på samme side. Om mulig er det kameramannens jobb. Et eksempel på rutine ville inkludere:  
       
    • "Oppmerksomhet, vi snur, hvile, vær så snill!"
    •  
    • "Shut down!" Det er nøkkelordet som slår på mikrofonene. Når de er på, roper noen, "Lyden er på!"
    •  
    • "Ta et bilde!" Det er kø for å starte kameraene. Når de løper, ringer noen vanligvis, "Kameraet er på!"
    •  
    • Les tittel, scene og opptaksnummer: "Dette er Min film, Scene 1, Opptak 2." Hvis du har en flip, lukkes den og noen roper, "Mark!"
    •  
    • Tre til fem sekunder stilhet.
    •  
    • "ACTION!"  
    •  
           
  12.  
  13.   7      Film ditt område hvis du har scenen du vil ha. Velg noen ekstreme vinkler, ta interessante bilder av omgivelsene eller nærbilder av ansikter eller hender på tegn eller rekvisitter, og la scenen løpe igjen. Disse bildene kan bare ta ett til to sekunder i filmen, men de er essensielle for redigering. Se litt film og du vil merke hvor mange små, tilsynelatende ubrukelige bilder blir brukt. De tjener til å komme inn i scenens verden, for å vise en følelsesmessig tur eller bare som en overgang fra en scene til en annen. Film disse opptakene når skuespillerne har levert teksten til din tilfredshet.
       
    • Skal tegnene snakke om kaken på bordet? Da trenger du bare et skudd av kaken på bordet. Må du vise hvilken tid det er? Deretter trenger du et skudd av klokken på veggen.  
    •  
           
  14.  
  15.   8      Se opptakene dine hver dag og plukk den fra opptakslisten din. Du må kanskje gjøre ofre avhengig av budsjett og tid, men selv Hollywood-direktører er tvunget til å gjøre det. På slutten av hver dag, sørg for at du har alt du vil ha og trenger, og så maler det på postlisten din. Du må vite nå, og ikke tre måneder senere, når du begynner å redigere, hvis noe mangler.     
  16.  
  17.   9      Plukk opp B-roll-skudd. B-rollen er ganske enkelt opptakene som ikke involverer skuespillere. Den brukes vanligvis til overganger, åpnings- og avsluttende kreditter eller for å sette opp en ny plassering. Ta av med kamera og kameramann og få så mange timers opptak som mulig. Ditt primære mål er å tenke på opptak som kan fullføre filmen. B-rollen i Punch Drunk Love består for eksempel av en rekke abstrakte, flerfarvede bilder som samsvarer med hovedpersonens forvirrede, engstelige og krøllede sinnstilstand. Agentfilmer har vanligvis en B-roll full av vakre strender, travle byer og dramatiske landskap. B-rollen forteller historien din subtilt og visuelt.  
       
    • Du kan aldri få nok B-roll. Når du jobber, er det bindevevet som holder scenene dine sammen for å lage en seriøs film.
    •  
    • Du kan og bør slå B-rollen før og etter en scene "slutter", da disse to til tre sekunder er en fin måte å få publikum inn i scenen sakte.  
    •  
           
  18.  
  19.   10      Lagre dine opptak hver dag. På slutten av innspillingen, ta deg tid til å trekke bilder fra minnekort og laste dem ned til en sikker harddisk. Dette lille trinnet på slutten av dagen kan spare deg for utallige timer i det uheldige tilfelle at du mister opptakene dine.  
       
    • De fleste fagfolk bruker mer enn én backup og kopierer alle opptak i minst to kilder før du sletter alt fra minnekortene.
    •  
    • Ta også deg tid til å organisere opptakene dine. Lag mapper for hver dag du skyter, og ordne deretter opptakene for scener i mappene. Dette gjør opptaket mye, mye lettere.
    •  
           
  20.  
             

    4      Rediger filmen din  ,

    
     
  1.   1      Velg riktig redigeringsprogramvare for filmen. Det finnes mange alternativer å velge mellom når det gjelder videoredigeringsprogramvare (ofte kalt ikke-lineære redigeringsprogrammer), fra gratis programmer som iMovie og Windows Movie Maker til komplekse, profesjonelle kraftverk som Final Cut Pro og Adobe Premier. Det du bruker er i stor grad et spørsmål om personlig preferanse og typen prosjekt du jobber med:  
       
    •   Gratis programvare som iMovie og Windows Movie Maker er egentlig bare nyttig for små filmer, vanligvis noe under 20 minutter. De er ikke ment å håndtere mange video- og kameravinkler, og har et begrenset antall overganger og alternativer for effekter.
    •  
    •   Betalt programvare er nødvendig for enhver ambisiøs filmskaperen. Hvis du bruker flere kameraer til en scene, utjevner tekst, overganger eller effekter, eller bare vil ha et profesjonelt program, må du investere i god programvare. For tiden er de tre "industristandard" -programmene Avid, Final Cut X og Adobe Premier. De har heftige priser på ofte 360 ​​€ og mer. Du kan imidlertid ofte abonnere på disse programmene for en liten månedlig betaling.
    •  
           
  2.  
  3.   2      Importer en scene inn i videoredigeringsprogrammet ditt. For en kort film (mindre enn 20-30 minutter) kan du sannsynligvis importere alle opptakene samtidig. Men hvis du lager en film eller bare jobber med mange kameravinkler, bør du redigere filmstykket for hver bit. Importer kun filmen du trenger for scenen og alt som er relevant for B-rollen.  
       
    • Bruk "Synkroniser" -alternativet til programmet for å justere dem alle hvis du har flere kameraer i samme scene. Søk etter programmets "Multi Camera Edit Mode", som gjør det enkelt å bytte mellom flere bilder samtidig ved å søke på nettet for "[Programmering] Multi Camera Editing". Dette justerer alle kameraene, slik at du ikke trenger å tilbringe timer, og sørg for at hvert kutt er synkronisert med det siste kuttet.  
    •  
           
  4.  
  5.   3      Bruk dine første få skudd for å bygge stemningen og temaet til scenen. De første bildene åpner fokus for scenene. Du har et nesten uendelig antall muligheter, men noen av de vanligste er:  
       
    •   Utviklingsskudd: Dette er langt den vanligste måten å starte en scene på. Dette opptaket viser alle hovedaktørene, scenen og stedet samtidig. Dette gjør at publikum får en følelse for scenen, og det kan følge resten av de kommende kuttene.
    •  
    •   Karakterfokus: Enten med eller uten tekst, etter hovedkarakteren på scenen, forteller publikum at den må være oppmerksom på denne personen - noe skjer med henne, eller hun har en realisering.
    •  
    •   Szeneneröffnung: Verwende B-Rollen-Material und Aufnahmen des Raums/der Umgebung, um ein Gefühl für den Ort zu bekommen. Das wird in vielen Filmen verwendet, vor allem im Horror, wo eine Szene möglicherweise mit fünf bis sechs unheimlichen Aufnahmen eines Spukhauses oder eines gefährlichen Raums beginnt.
    •  
           
  6.  
  7.   4      Baue den Dialog um die besten Takes des Schauspielers herum auf. Sieh dir dein Filmmaterial erneut an und schaue, welche Szenen dir am besten gefallen – wo jeder auf seiner Markierung steht, der Dialog sich natürlich anhört und das Filmmaterial klar und im Fokus ist. Falls du einen Take findest, bei dem alles gut gelungen ist, hast du Glück, und deine Arbeit geht viel schneller.     
  8.  
  9.   5      Zeige jeden Charakter, wenn er seinen Text abliefert. Die Regel ist nicht absolut bindend, aber du solltest fast immer damit anfangen. Von dort aus kannst du entscheiden, ob es wichtiger ist, einen zuhörenden oder einen sprechenden Charakter zu beobachten. Sieh dir "Whiplash" oder "There Will Be Blood" an, um eine gute Vorstellung davon zu bekommen, wo der Szenenfokus bei dialogorientierten Filmen liegen sollte.  
       
    • Welche Charakter man in einer Szene zeigen sollte, ist für gewöhnlich eine Frage des Gefühls. Wer muss dem Gefühl nach der Fokus des Satzes sein? Zeigt ein Schauspieler einen besonders guten Ausdruck oder eine Reaktion auf etwas? Wohin sollten deine Augen wandern, wenn du mit den Schauspielern in einem Raum säßest?
    •  
           
  10.  
  11.   6      Fülle Lücken/Fehler mit B-Rollen- und anderen Takes auf. Manchmal bekommst du keinen einzigen guten Take und musst eine Menge Filmmaterial kombinieren, damit die Szene funktioniert. Das kommt unglaublich häufig vor, aber es sollte nicht schwierig sein, wenn die Schauspieler jedes Mal auf ihrer Absperrung auftreffen. Hier fügst du Details und Farbe zur Szene hinzu. Zum Beispiel könnte ein Charakter jemandem den Kuchen auf dem Tisch anbieten, und du kannst du einer Aufnahme des Kuchens schneiden. Oder du könntest in einer spannenden Befragungsszene eine Nahaufnahme vom Gesicht des Verbrechers zeigen, wie er schwitzt und besorgt ist, bevor du zum nächsten Satz des Dialogs schneidest.
       
    • Es gibt keine "richtige" Methode, um eine Szene zu bearbeiten, solange du nicht vergisst, dass du vor allem anderen versuchst, die Geschichte zu erzählen. Lasse die Bilder so weit wie möglich das reden erledigen.
    •  
           
  12.  
  13.   7      Passe das Timing der Szene an, um ihr Rhythmus zu verleihen. Bei der Bearbeitung geht es um Tempo und Timing. Der Film soll natürlich fließen. Deshalb denken Bearbeiter in einzelnen Bildern – die Mikrosekunden kurzen Standbildern, die du siehst, wenn den du Film anhältst – anstatt in Sekunden. Viele Bearbeiter arbeiten aus diesem Grund mit Musik. Sie bearbeiten die Bilder so, dass sie zum Takt eines Liedes passen und verleihen der Szene Rhythmus. Du brauchst dich nicht an den natürlichen Rhythmus der Schauspieler auf dem Bildschirm zu halten, und in vielen Fällen solltest du es auch nicht tun. Pausen hinzuzufügen oder zu löschen, selbst wenn es nur ein paar Zehntelsekunden sind, kann eine gute Leistung zu einer großartigen machen. For eksempel:  
       
    • Komische, Action-orientierte oder sehr energiereiche Szenen haben ein sehr schnelles Timing. Zwischen den Sätzen sind nicht viele Freiräume, und die Worte fallen fast aufeinander, wenn sie herauskommen. Das lässt die Szene sich schnell und lebendig anfühlen.
    •  
    • Spannende Szenen sind für gewöhnlich langsamer. Pausen werden in die Länge gezogen, die B-Rolle wird kräftig benutzt, und Aufnahmen werden lange gehalten, um den Zuschauer sich unbehaglich fühlen zu lassen. Sieh dir als Meisterkurs in langsamer Bearbeitung "12 Years a Slave" an, vor allem die Henkerszene in der Mitte des Films.
    •  
    • Das menschliche Gehirn benötigt drei bis fünf Einzelbilder, um ein Bild zu erkennen. Das bedeutet, dass du das Publikum womöglich nur verwirrst, falls du versuchst, zu schnell zu sein.  
    •  
           
  14.  
  15.   8      Lerne die verschiedenen Schnittarten, um professionell zu bearbeiten. Die Bearbeitung ist die Kunst, eine Geschichte durch Schnitte zu erzählen. Mit anderen Worten, ein Film ist einfach eine Reihe von Videos, die hintereinander gestellt werden. Das Publikum nimmt die Geschichte so auf, wie du von einem zum anderen schneidest. Daher ist es das Einzige, was "eine Rolle spielt", wie du von einem Video zum anderen schneidest. Die besten Schnitte sind nahtlos, erzählen die Geschichte, ohne dass das Publikum jemals wahrnimmt, dass wir von einer Szene zur anderen gesprungen sind.
       
    •   Harter Schnitt – ein unmittelbarer Schnitt zu einem anderen Winkel, für gewöhnlich in derselben Szene. Dieser Schnitt kommt im Film am häufigsten vor.
    •  
    •   Schmetterschnitt – Eine abrupte Verschiebung zu einer vollkommen anderen Szene. Das lenkt die Aufmerksamkeit auf den Schnitt und signalisiert oftmals eine Überraschung oder eine große Verschiebung in der Handlung.
    •  
    •   Sprungschnitt – Ein abrupter Schnitt innerhalb derselben Szene, oftmals aus einem etwas anderen Winkel. Diese sind selten und zeigen für gewöhnlich Verwirrung oder vergehende Zeit.
    •  
    •   J-Schnitt – Wenn du den Ton der nächsten Aufnahme hörst, bevor du das Bild siehst. Das ist eine tolle Methode, um zwei Szenen thematisch miteinander zu verbinden oder eine Beschreibung zu geben.
    •  
    •   L-Schnitt – Wenn du das Bild der nächsten Aufnahme siehst, bevor du den Ton hörst. Das ist eine tolle Methode, um einen Charakter zu zeigen, wie er über etwas redet, wie ein Versprechen, und es dann hält (oder bricht).
    •  
    •   Actionschnitt Ein Schnitt mitten in einer Tätigkeit wie eine Tür zu öffnen, die den Schnitt in der Tätigkeit "versteckt". Zum Beispiel könnte ein Charakter zu einem Kuss ansetzen. Wenn sein Kopf den Bildschirm überquert, schneidest du zu dem Kopf, der aus einem anderen Winkel auf dem Bildschirm erscheint (gewöhnlich der Person, die im Begriff ist, geküsst zu werden).  
    •  
           
  16.  
  17.   9      Hefte deine Szenen mit B-Rollen-Material und Übergängen zusammen. Wenn du deine Szenen angefertigt hast, ist es an der Zeit, sie zusammenzuziehen. Importiere sie in ein neues "Masterfilm"-Projekt und bringe sie in die richtige Reihenfolge, wenn du alle deine Szenen als separate Dateien bearbeitet hast. Verwende dann deine B-Rolle, Abdeckungsaufnahmen und Übergänge, um sie nahtlos ineinander fließen zu lassen. Während du dir ursprünglich das Szenentiming angesehen hast, siehst du dir jetzt das Filmtiming an – kannst du eine Szene hier und dort kürzen, um die Sache sich schneller bewegen zu lassen? Brauchst du zwischen Szenen ein wenig mehr B-Rollen-Material, um dem Publikum Zeit zu geben, um auf einen dramatischen Moment zu reagieren? Nochmals – Timing ist alles.  
       
    • Dieses ist ein guter Zeitpunkt, um einen Freund darum zu bitten, sich den Film mit dir anzusehen. Bekommt er alles mit, was vor sich geht? Sind in der Menge irgendwelche Handlungspunkte untergegangen, die mehr Zeit benötigen? Wird irgendetwas zu ausführlich erklärt und kann weggeschnitten werden?
    •  
    • Im Allgemeinen wird der Film umso besser, je mehr du schneidest. Falls eine Szene nicht funktioniert und nichts Nützliches zur Handlung beisteuert, dann werde sie los.
    •  
           
  18.  
  19.   10      Korrigiere die Farbe und den Klang deines Films, um ihn professionell zu machen. Wenn der Film so gut wie möglich geworden ist, ist es an der Zeit für den langen Prozess des Versäuberns. Die letzten und wichtigsten Schritte für einen professionellen Film sind Farbkorrektur und Tonmischung. Während ganze Bücher über das Thema geschrieben wurden, ist der beste Rat, es einfach alles konsistent aussehen zu lassen – die Szenen haben eine ähnliche Beleuchtung und Farbe und es gibt keine Stellen, an denen der Ton brüllend laut oder schwer zu hören ist.  
       
    • Es gibt viele Studios, die gegen eine geringe Gebühr professionelle Farbkorrekturen und Tonmischungen übernehmen. Falls du dir unsicher bist, wie du es machen sollst und einen professionellen Film willst, solltest du unbedingt Geld für professionelle Farbabstimmung und Tonmischung ausgeben.  
    •  
           
  20.  
  21.   11      Bearbeite, um die Geschichte zu erzählen, und nicht, um aufzufallen. Es gibt da draußen eine Menge auffallende, berühmte und stilisierte Filme, die zu kopieren eine tolle Idee zu sein scheint. Vor allem Quentin Tarantino und Guy Ritchie haben bei Filmen wie "Pulp Fiction" und "Lock, Stock, & Two Smoking Barrels" sehr lebhafte Bewegungsstile, die junge Filmemacher überall sich aneignen. Was diese Leute nicht erkennen, ist, dass diese Regisseure diesen Stil gewählt haben, weil er zum Film passt. Die Bearbeitung sieht mühelos aus, weil sie einfach die Geschichten (bewegliche, Action-orientierte Geschichten) zum Mittelpunkt gemacht haben. Deine wichtigste Aufgabe bei der Bearbeitung ist es, die Geschichte sich von Natur aus selbst erzählen zu lassen. Du leitest den Betrachter, aber der Betrachter sollte niemals die Bearbeitung kommentieren. Die beste Bearbeitung ist unsichtbar.        
  22.  
             

Tips .

                  

Advarsler .

                Les mer... (26)      
Kunst populær:
Lag et popfilter.

Skriv en følelsesmessig og meningsfull sang.

Spille strømkilder på gitaren.

Spill akkordet F på gitaren.

Last ned filmer gratis.

Søk etter en film eller et spill.

Går fra hus til hus, synger julebønner.

Overvinne kjedsomhet.

Skriv en ungdoms romanse.

Popping med en pisk.

Lag ditt eget TV show.

Bruke en forsterker.

Lær å lære tastaturnotater.

Last ned Hindi Filmer.

Spiller harmonikken.

Bygg et korthus.

Spill trombone.

Skriver trommelen og basen riktig.

Fløyter høyt.

Analyser en filmscene.

Spill loppevalsen på et piano eller tastatur.